Curso de Extensão Introdução a Fotografia Digital

curso de extensão introdução a fotografia digital  Unisul- turma 2012-2

Curso de Extensão Introdução a Fotografia Digital

Curso de extensão introdução a fotografia digital Unisul- turma 2012-2

Direito de Imprensa

Direito de Imprensa

Direito de Imagem

O Que Direito de Imagem

Objetivas

Objetivas Final

Trabalho Fotográfico (Light Painting)

Esta peça foi produzida em 2011/2 pela turma de Comunicação Social - Publicidade e Propaganda da 6ª fase da Unisul,  sob orientação do Professor Roberto Forlin.  

Alunos: Lucas Almeida, Jacksom dos Santos, Juliana Fragoso, Naiana Santos, Patricia Martins.

Pesquisa de conceito para criação da peça:

ARTE DIGITAL

Arte digital ou Arte de computador é aquela produzida em ambiente gráfico computacional. Utiliza-se de processos digitais e virtuais. Inclui experiências com net arte, web arte, vídeo-arte etc. Tem o objetivo de dar vida virtual as coisas e mostrar que a arte não é feita só à mão. Existem diversas categorias de arte digital tais como pintura digital, gravura digital, programas de modelação 3D, edição de fotografias e imagens, animação, entre outros. 

Nos anos 90 do século XX, a internet começa a se desenvolver, tornando-se um forte meio de comunicação. O universo virtual permite que os limites reais sejam ampliados para infinitas possibilidades de interferir e interagir neste espaço virtual. Surge, neste contexto, a Net-art, que são trabalhos artísticos localizados no espaço virtual, em páginas da internet e, que podem ser acessados, criados, re-criados e transformados por usuários que acessam simultaneamente a grande rede da internet.

Suas principais características são os cálculos automáticos feitos em computador e a interatividade entre quem os cria e quem é destinatário.

Do ponto de vista da computação gráfica, as artes digitais são produzidas em ambientes digitais bidimensionais 2D. É possível gerar e interagir objetos em um plano. (eixos x,y, o eixo z é nulo ou zero.). Está sub-dividido em imagens bitmapeadas (raster images) e imagens vetoriais (vector images). Os artistas usam diversas técnicas para elaboração de seus trabalhos. Uma delas é o uso de mesas digitalizadoras pois permitem mais liberdade de traço. Existem ainda alguns outros artistas que utilizam estas técnicas somente para fazer estudos iniciais dos trabalhos definitivos tradicionais.

Making Of

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Trabalho Fotográfico (Pop Art)

Esta peça foi produzida em 2011/2 pela turma de Comunicação Social - Publicidade e Propaganda da 6ª fase da Unisul,  sob orientação do Professor Roberto Forlin.

Alunos: Lucas Almeida, Jacksom dos Santos, Juliana Fragoso, Naiana Santos, Patricia Martins.

Alunos: Lucas Almeida, Jacksom dos Santos, Juliana Fragoso, Naiana Santos, Patricia Martins.

Pesquisa de conceito para criação da peça:

POP ART

Pop art (ou Arte pop) é um movimento artístico surgido no final da década de 1950 no Reino Unido e nos Estados Unidos. O nome desta escola estético-artística coube ao crítico britânico Lawrence Alloway (1926 - 1990) sendo uma das primeiras, e mais famosas imagens relacionadas ao estilo - que de alguma maneira se tornou paradigma deste, a colagem de Richard Hamilton (1922 - 2011): O que Exatamente Torna os Lares de Hoje Tão Diferentes, Tão Atraentes?, de 1956. A Pop art propunha que se admitisse a crise da arte que assolava o século XX desta maneira pretendia demonstrar com suas obras a massificação da cultura popular capitalista. Procurava a estética das massas, tentando achar a definição do que seria a cultura pop, aproximando-se do que costuma chamar de kitsch.

Diz-se que a Pop art é o marco de passagem da modernidade para a pós-modernidade na cultura ocidental.

O movimento começou como afronta ao expressionismo abstrato daquela década. Para criar suas obras no estilo Pop Art o artista busca inspiração na cultura da sociedade detalhando figuras e objetos expressando de uma maneira diferente a vida consumista da sociedade como retratar embalagens de alimento, bandeiras, pessoas, seres vivos e outros objetos deixando-os maior que o que a figura original.

Os formatos são variados para que a peça fique com resquícios do natural, mas que seja vista de forma diversificada e inovadora para que novos olhares estejam projetados sobre esta. Os materiais utilizados são acrílico, poliéster, goma e spuma, gesso, matérias fluorescentes, tinta, entre outros.

Andy Warhol foi uma das figuras centrais da Pop art nos Estados Unidos. Como muitos outros artistas da Pop art, Andy Warhol criou obras em cima de mitos. Ao retratar ídolos da música popular e do cinema, como Michael Jackson, Elvis Presley, Elizabeth Taylor, Marlon Brando e, sua favorita, Marilyn Monroe, Warhol mostrava o quanto personalidades públicas são figuras impessoais e vazias; mostrava isso associando a técnica com que reproduzia estes retratos, numa produção mecânica ao invés do trabalho manual. Da mesma forma, utilizou a técnica da serigrafia para representar a impessoalidade do objeto produzido em massa para o consumo, como as garrafas de Coca-Cola e as latas de sopa Campbell.

Making Of

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Trabalho Fotográfico (Cubismo)

Esta peça foi produzida em 2011/2 pela turma de Comunicação Social - Publicidade e Propaganda da 6ª fase da Unisul,  sob orientação do Professor Roberto Forlin.

Alunos: Lucas Almeida, Jacksom dos Santos, Juliana Fragoso, Naiana Santos, Patricia Martins.

Pesquisa de conceito para criação da peça:

CUBISMO

O cubismo foi um movimento artístico originado em 1909, o qual teve uma grande importância para a arte ocidental, pois modificaram de forma drástica os padrões artísticos da época e quebrou vários paradigmas. As idéias centrais do cubismo se originaram por meio do estilo de Paul Cézanne (1839 - 1906), artista que utilizava formas geométricas (cilindros e esferas, por exemplo) para retratar a natureza. Entretanto, os pais do movimento são, sem dúvida, Pablo Picasso (1881 - 1973) e Georges Braque (1882 - 1963). O próprio nome da nova vertente se originou em razão de uma crítica feita por Louis Vauxcelles a uma obra de Braque. Segundo o crítico, o que ele via era uma realidade em cubos. A principal característica do cubismo é a retratação do espaço por diversos ângulos ao mesmo tempo, minimizando a necessidade de haver fidelidade com a realidade. O cubismo rejeita a idéia de outros movimentos anteriores, como o impressionismo, de retratação da natureza. O próprio Georges Braque afirmava: “Não se imita aquilo que se quer criar”.

Características: Demonstra os objetos escolhidos em cubos. Descreve as naturezas morta com poucas cores fazendo contraste o claro e o escuro com sombra muito carregadas. Não se utilizada à perspectiva, os desenho dominado por figuras geométricas são sobrepostos.

Fases do Cubismo

1. O cubismo primitivo (1907): nas primeiras pinturas cubistas foram descritas pela restrição às formas geométricas.

2. O cubismo analítico (1910 – 1913): demonstra uma decomposição de objetos que estão representados no quotidiano. È uma combinação de pedaços de peças, vistos de várias maneiras com perspectivas diferentes.

A chamada fase das colagens, foi uma fase intermédia, entre a fase analítica e a fase sintética, no qual eram introduzidos elementos exteriores ao quadro. O cada vez maior abstraccionismo das obras, estava ligado à mentalidade matemática e intelectualizada dos seus autores. A par das formas simplificadas, surgiu a cor vibrante, a sobreposição e transparência de planos. Os temas do Cubismo analítico, foram mantidos, mas aqui foi utilizado claramente um processo de simplificação, eliminando tudo o que era acessório.

3. O cubismo Sintético (1913): este tipo de cubismo era composto por colagens de vários papéis com diferentes texturas e padrões, as cores tornaram-se muito mais vivas.O espaço e volume são inspirados com pequenos leves traços de sombra. Nota-se um grande distanciamento de qualquer arte primitiva. Esta fase se distingue das outras por ser, a mais sintética, mais abstracta, e a mais geometrizada de todas as fases do Cubismo.

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Making Of  Completo

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Trabalho Fotográfico (Neoplasticismo)

Esta peça foi produzida em 2011/2 pela turma de Comunicação Social - Publicidade e Propaganda da 6ª fase da Unisul,  sob orientação do Professor Roberto Forlin.

Alunos: Lucas Almeida, Jacksom dos Santos, Juliana Fragoso, Naiana Santos, Patricia Martins.

Pesquisa de conceito para criação da peça:

NEOPLASTICISMO

O neoplasticismo é uma das formas que a abstração tomou nas primeiras décadas do século XX, tendo seu início em 1917. Trata-se de uma doutrina estética proposta por Piet Mondrian, pintor holandês, em 1920. Está baseada na concepção analítica da pintura, na procura de um tipo de arte que transcenda a realidade externa, material, numa tentativa de chegar à essência através de uma linguagem plástica e objetiva, reduzindo-a a formas geométricas e cores puras e torná-la universal. O movimento se organiza, segundo Van Doesburg, em torno da necessidade de "clareza, certeza e ordem" e tem como propósito central encontrar uma nova forma de expressão plástica, liberta de sugestões representativas e composta a partir de elementos mínimos: a linha reta, o retângulo e as cores primárias - azul, vermelho e amarelo -, além do preto, branco e cinza. Uma vez que os meios de criação artística ficavam assim especificados, era agora possível quebrar a “supremacia do indivíduo” e criar “soluções colectivistas”. A proposta básica deste movimento fica perfeitamente claro na frase pragmática de um dos seus criadores, Doesburg, que disse: “Vamos despir a natureza de todas as suas formas e o que restará será somente o estilo”.

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Trabalho Fotografico (Pontilhismo)

Esta peça foi produzida em 2011/2 pela turma de Comunicação Social - Publicidade e Propaganda da 6ª fase da Unisul,  sob orientação do Professor Roberto Forlin.

Alunos: Lucas Almeida, Jacksom dos Santos, Juliana Fragoso, Naiana Santos, Patricia Martins.

Pesquisa de conceito para criação da peça:

Pontilhismo 

O Pontilhismo (também designado por divisionismo), é uma técnica de pintura, saída do movimento impressionista, em que pequenas manchas ou pontos de cor provocam, pela justaposição, uma mistura óptica nos olhos do observador (imagem). Esta técnica baseia-se na lei das cores complementares, avanço científico impulsionado no século XIX, pelo químico Michel Chevreul. 

Trata-se de uma consequência extrema dos supostos ensinamentos dos impressionistas, segundo os quais as cores deviam ser justapostas e não entre mescladas, deixando à retina a tarefa de reconstruir o tom desejado pelo pintor, combinando as diversas impressões registradas. A técnica de utilização de pontos coloridos justapostos também pode ser considerada o culminar do desprezo dos impressionistas pela linha, uma vez que esta é somente uma abstração do Homem para representar a natureza. 

     Também conhecido como punctilhismo, divisionismo, cromoluminarismo e neo-impressionismo, o pontilhismo teve como teóricos principais Georges Seurat e Paul Signac. 

Georges Seurat (1859-1891), é aquele que se pode considerar o iniciador desta corrente artística. O seu grande contributo inovador consistiu na decomposição prismática da cor e na mistura óptica que ela provoca, deixando para segundo plano a representação do instante luminoso que tanto havia apaixonado os impressionistas. Suas obras podem ser consideradas o ponto máximo atingido pelo pontilhismo, tal como Tarde de Domingo na Ilha de Grande Jatte e a obra-prima inacabada O Circo.

 As bases do pontilhismo encontram-se tanto nas idéias de vários físicos do fim do Século 19, entre os quais Hermann von Helmholtz, como na psicologia e na fisiologia da visão, na análise da luz e da cor, e na influência da própria pintura impressionista. 

HELMHOLTZ (Hermann VON), físico e fisiologista alemão (Potsdam, 1821 – Charlottenburg, 1894). Descobriu o papel dos sons harmônicos no timbre dos sons, e mediu a velocidade do influxo nervoso.    

 O pontilhismo foi um movimento pictórico pós-impressionista surgido na França em meados da década de 1880, como reação aos próprios impressionistas e à pintura oficial.

      Sua característica central é a decomposição tonal mediante minúsculas pinceladas nitidamente separadas, mesmo a olho desarmado.

     Trata-se de uma conseqüência extrema dos ensinamentos dos impressionistas, segundo os quais as cores deviam ser justapostas e não entremescladas, deixando à retina a tarefa de reconstituir o tom desejado pelo pintor, combinando as diversas impressões registradas. 

No Brasil, diversos artistas atuantes no período da Primeira República (1889-1930), empregaram procedimentos divisionistas, especialmente em suas paisagens e pinturas decorativas. Podemos destacar, nesse sentido, os nomes de Belmiro de Almeida, Eliseu Visconti, Rodolfo Chambelland, Artur Timóteo da Costa, Guttmann Bicho, entre outros. O painel central do teto do foyer do Theatro Municipal do Rio de Janeiro é um exemplo de pintura decorativista onde Eliseu Visconti empregou vários estilos e procedimentos artísticos, inclusive o pontilhismo.

Making Of

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Making Of  completo:

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